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Singapur se ha convertido en un centro de diseño arquitectónico global. Como ciudad-estado y país insular en el sudeste asiático, Lion City es el hogar de una nueva clase de edificios de gran altura, jardines y lugares emblemáticos.

Con un sólido historial de diversidad cultural y étnica, la arquitectura de Singapur es el resultado de sus variadas influencias. La arquitectura contemporánea de Singapur tiene un fuerte enfoque en la sostenibilidad, con muchos ejemplos de paisajes integrados que se introducen en edificios de gran altura. La arquitectura verde y la ventilación son particularmente importantes para la arquitectura en Singapur debido a su clima húmedo. Os presentamos nuestros cuatro ejemplos favoritos.

Hub de Aprendizaje / Heatherwick Studio

El Hub de Aprendizaje en la Universidad Tecnológica de Nanyang (NTU Singapur) diseñada por Heatherwick Studio y ejecutada por el arquitecto líder de CPG Consultores, es un nuevo punto de referencia educacional para la ciudad. Como parte del plan de reurbanización de la NTU para el campus, el Hub de Aprendizaje está diseñado para ser un nuevo edificio de usos múltiples para sus 33.000 estudiantes.

Biblioteca pública de Bishan / LOOK Architects.

La metáfora de una casa en el árbol se utilizó desde el inicio de la conceptualización del diseño. El uso de tragaluces, celosías y vidrio de color transforma la luz diurna entrante en una gran variedad de tonos y colores, creando una calidad de luz moteada dentro de la biblioteca que simula la luz filtrada a través del follaje de los árboles.

Pabellón de la biblioteca de la SUTD / City Form Lab

El pabellón de la biblioteca de la Universidad de Tecnología y Diseño de Singapur (SUTD) está ubicado en una pendiente inclinada en el campus temporal de Dover. Con capacidad para tres árboles maduros y formando una barrera de ruido hacia la Autopista Ayer Raja en el norte, la estructura de rejilla del pabellón aprovecha las limitaciones del sitio y activa un espacio exterior detrás del edificio de la biblioteca existente.

Pabellón AirMesh / AIRLAB

AirMesh es la primera estructura arquitectónica del mundo hecha de componentes impresos en 3D en acero inoxidable, lo que demuestra un diseño digital innovador y tecnologías de fabricación desarrolladas por AirLab en la Universidad de Tecnología y Diseño de Singapur. El pabellón ultraligero, ubicado en Gardens by the Bay, es tanto un espacio de reunión como una escultura de luz.

Lo inesperado rompe con la exasperante monotonía, esa es la forma en la que se ha implantado esta nueva tendencia en la sociedad. Entre tanto modelo clásico y más o menos normal de las botas, ha irrumpido con fuerza para este año.

Han sido una de las apuestas fuertes de las firmas sobre las pasarelas y han pasado a los estilismos de las calles. Aterrizando en las firmas más asequibles del panorama. Se han convertido en la gran obsesión de la moda de cara a esta temporada y la versión más segura de todas las tendencias en calzado.

Literatura convertida en pintura al usar el más fino de los lienzos.

Como sabemos, un libro no se define únicamente por su cubierta. Existe un gran número de elementos componentes de un libro que pueden ser intervenidos. El corte del libro es un recurso más al cual podemos darle un carácter a través del diseño.

Una manera de dar personalidad al corte del libro es mediante la impresión o pintura de obras de arte en el corte de las hojas del libro. Hay maneras relativamente sencillas como la imposición de pan de oro para darle un aspecto de lujo al libro, pero lo realmente interesante es la creación de pinturas en los pequeños filos de las hojas.

La pintura sobre el corte del libro es un arte que nace en el siglo X, frente a la necesidad que algunos editores tenían de destacar sus libros otorgándoles un valor agregado que los convertía en ediciones de lujo. Consiste en pintar una obra con acuarelas sobre el corte del libro abierto, por lo que la única forma de verla es abriendo el libro (con el libro cerrado lo único que se vería es el corte liso).

Si bien este tipo de pinturas escondidas nació en el siglo X como simples dibujos ornamentales, se comenzó a perfeccionar hacia el siglo XVII, llevando a verdaderas obras de arte. Las pinturas en cortes se pueden encontrar ubicadas tanto en el corte del frente, como en el superior e inferior.

La técnica consiste en ubicar al libro en una prensa especial, la cual lo abre, dejando el corte en el ángulo necesario para que quede a la vista una pequeña porción de cada hoja. Luego se procede a pintar sobre ese desflecado que forman las hojas. Así, al finalizar, uno cierra el libro, y el canto parece intacto, pero al abrirlo, el lector apreciar la pintura. Para un resultado más fino, se recomienda dorar el corte, de modo que, escondiendo los pigmentos de la acuarela, la obra se oculte mucho más eficazmente.

Actualmente las posibilidades de la tecnología nos permiten realizar este proceso de manera mecánica, con impresoras capaces de realizar el arte en los diferentes ejemplares de una edición sin el tedioso trabajo de hacerlos a mano uno a uno. Se trata de una manera de poder hacer más atractivo nuestro libro, darle un carácter único y un aire de misterio al esconder detalles hasta en el filo de sus hojas.

Uno de los secretos del éxito de la Unión Soviética durante la carrera espacial fue su uso del diseño gráfico para inspirar al pueblo ruso en la carrera espacial.

A lo largo del siglo XX, la Unión Soviética usó la carrera espacial como una herramienta de propaganda. Sirvió como motivación para un país lleno de penurias y conflictos, que pasó a soñar con un ‘paraíso de los trabajadores’ que se podía conseguir conquistando las estrellas.

En Rusia circulaban revistas de ciencia y tecnología, como Vestnik Znaninya (Heraldo del conocimiento) o Nauka i Zhizn (ciencia y vida), que tenían un relativo éxito popular y fueron las primeras en fomentar este éxito.

Para lograrlo, las publicaciones así como los órganos de gobierno y las entidades científicas reclutaron a legiones de ilustradores, redactores y asesores que produzcan publicaciones que acerquen la ciencia a la población.

Los rusos percibían la carrera espacial de una manera que parecía ciencia ficción, se apoderaba de la imaginación popular y usaba los avances tecnológicos para dar una imagen de modernidad al país y considerar a sus astronautas y científicos como héroes nacionales.

El arte espacial soviético se caracterizaba por seguir la corriente del realismo acompañado de influencias avant-garde y de otras corrientes artísticas que moldeaban las ilustraciones de los libros y las revistas científicas y les daban ese aspecto de ciencia ficción y futurismo.

Yuri Gagarin (el primer humano que orbitó la Tierra), Valentina Tereshkova (primera mujer astronauta) y Alexei Leonov (primera persona que salió de una cápsula al espacio exterior) fueron elevados a la categoría de héroes, un panteón compartido por científicos, técnicos y, por supuesto, militares a cargo del programa espacial. Se crearon cientos de ilustraciones de ellos como conquistadores del espacio, con poses de grandiosidad y fondos de otros mundos.

También se creó mucho material en el cual los diseñadores gráficos exploraban cómo sería el mañana, con ciudades con rascacielos kilométricos e infraestructuras acuáticas entre metrópolis, oscilando entre el rigor científico y la fantasía surrealista, con colonias espaciales, estaciones orbitales dotadas de todas las comodidades, y naves con la hoz y el martillo aterrizando en otros planetas.

Con la llegada del 2020, se hacen muchos resúmenes de todo lo hecho durante el año anterior, de los proyectos más exitosos, más innovadores; también de las nuevas tendencias que se avistan y que pueden sernos útiles para superarnos.

A pesar de que siempre es aconsejable tener ciertos principios y cánones a la hora de diseñar, nunca está de más incorporar elementos nuevos. Estos harán que tengamos un catálogo más rico donde apoyarnos al enfrentarnos a nuevos proyectos y que contemos con más diversidad de sensibilidades según sea conveniente. 

Las tendencias que más veremos en 2020 y que más nos han llamado la atención:

Modo oscuro.

El modo oscuro es una opción que cada vez más aplicaciones y webs están añadiendo, ya sea siendo su vista por defecto como una opción para cambiar entre el modo normal y el oscuro.

En webs donde se quiera enfatizar el contenido, un fondo oscuro viene como contrapunto perfecto para enfatizarlo. Un ejemplo perfecto es tanto la aplicación como la propia web de Netflix, donde las portadas de las series y películas toman una posición dominante y sin ningún tipo de distracciones extra. 

Por otro lado, un fondo oscuro es más agradable de visualizar en periodos largos de tiempo que si tiene tonos claros. Además de que la proliferación de pantallas OLED en smartphones hace que gasten menos batería con los negros puros.

Por último, solo mencionar que tampoco hay que abusar de este modo. Si nuestra web tiene mucho contenido en formato texto, es preferible mantener un fondo claro ya que la legibilidad será mayor. Con lo que ello implica para la usabilidad y accesibilidad de nuestros visitantes.

Paleta de color cyberpunk. 

Quizá el futuro no sea como presagiaba Robert Zemeckis en Regreso al Futuro (coches y patinetes voladores, viajes en el tiempo…) pero al menos tenemos esa estética de cómo algunos se imaginaron el mañana. El estilo gráfico del mundo cyberpunk se caracteriza por tener una paleta de colores en la que se mezclan los tonos oscuros con colores neón, brillantes y muy saturados. Un ejemplo sería el que se ve en películas como Blade Runner o mangas como Ghost in the Shell.

A pesar de parecer agresiva en algunas ocasiones, la paleta de colores que engloba es muy llamativa. Además, puede mezclarse con efectos como el glitch para dar volumen, tridimensionalidad y dinamismo a nuestros diseños.

Composición asimétrica.

La diagonal y lo asimétrico consiguen captar la atención del público y transmitir incluso mensajes con mayor audacia. El diseño asimétrico brinda a los creativos espacio para aplicar elementos gráficos que comuniquen algo más libre y abstracto, y de una forma más humana e imperfecta.

Degradados de color.

Instagram, además de ser una de las redes sociales con más éxito, fue pionera con el degradado de colores en su logotipo. En 2020 no solo seguirá muy en tendencia, sino que lo veremos, además de en diseño web y corporativo, en otro tipo de diseños como packaging o en ilustración.

Minimalismo

En los últimos años se han podido ver diseños minimalistas y planos que poco a poco han llamado la atención del mundo digital. “Menos es más”. En este tipo diseño se eliminan elementos pesados para la vista, cuya finalidad es que el contenido tenga más presencia. Así lo manifiesta Brian Dixon, director creativo de Grady Britton pues afirma que “en línea con la búsqueda continua de transparencia y honestidad del marketing, el diseño continuará eliminando el estilo y el adorno adicionales, y avanzará hacia una presentación mucho más simple y directa».

En la actualidad son cada vez más las mujeres involucradas en el diseño de nuestro mundo y entorno. En un ámbito habitualmente asociado a la imagen masculina, finalmente las mujeres se han ganado un espacio en el mundo del diseño y están siendo reconocidas por su destacado trabajo. El documental Making Space es una oportunidad para aprender lo que está sucediendo en la arquitectura contemporánea, los nuevos descubrimientos y cómo estos cambios se relacionan al rol femenino en el campo arquitectónico. 

Alice Shure y Janice Stanton, fundadoras de Amici Productions LLC, apasionadas por las más fascinantes historias provenientes del ámbito artístico, han decidido crear un documental, un registro visual para las futuras generaciones de arquitectas en el mundo. Para poder concretar este proyecto, han lanzado una campaña a través de Kickstarter que les permita recaudar los fondos para cubrir las operaciones de post-producción (edición, arriendo de estudio de edición, compositor, gráfica, producción DVD).

Hoy os presentamos a cinco de las arquitectas que han participado en este film.

Anabelle Selldorf

Nacida en Colonia (Alemania), es la fundadora de Selldorf Architects, firma de arquitectura establecida en Nueva York especializada en arquitectura y diseño de interiores. 

Es miembro del American Institute of Architects, miembro de la American Academy of Arts and Letters, académica del National Academy Museum and School y miembro de la junta de la Architectural League de Nueva York , World Monuments Fund y el Fundación Chinati . En 2016, recibió la Medalla de Honor AIANY y el Premio de Arquitectura de la Academia Americana de Artes y Letras en 2014.

En 2010, el alcalde de la ciudad de Nueva York, Michael Bloomberg, honró a la empresa de Selldorf con un Premio de la Comisión de Diseño Público por el diseño de la Instalación de Recuperación de Materiales Sunset Park, un centro de procesamiento de materiales reciclables de metal, vidrio y plástico en la acera de Nueva York.

Sus proyectos incluyen la Neu Galerie de Nueva York, la renovación de Sterling and Francine Clark Art Institute y el Instituto para el Estudio del Mundo Antiguo (ISAW).

Los proyectos actuales incluyen una expansión de la Colección Frick, La nueva galería del Museo de Arte Contemporáneo de San Diego , Hauser & Wirth en la calle 22 en Chelsea, The Mwabwindo School, 21 East 12th, y varios edificios para el nuevo centro contemporáneo de la Fundación LUMA en Arles , Francia.

Odile Decq

De origen francés, es una arquitecta y académica francesa licenciada en Urbanismo y Planificación por el Instituto Político de Ciencias en París (1978) 

Es conocida por sus proyectos de vivienda en París, dos edificios para el Banco Popular de Francia, y el Motorway Bridge para la competencia A14. El año 2001 diseñó una expansión para el Museo de Arte Contemporáneo de Roma y el año 2011 el Restaurante L’Opera en Opera Garnier. Actualmente es directora de la firma de arquitectos francesa Odile Decq e imparte clases en la Ecole Speciale d’Architectura en la cual el año 2007 fue electa Jefa del Departamento.

Ha recibido los más importantes honores. En 2003 Odile Decq fue seleccionada como Caballero de la Legión de Honor, la más alta condecoración francesa, establecida por Napoleón Bonaparte. En 2007 recibió la membresía internacional del Royal Institute of British Architects (RIBA).

Hacia fines de 2013, después de una trayectoria de 35 años, Decq fue elegida la Mujer Arquitecta del Año.

FutureGiraffes.com

Farshid Moussavi,

Nacida en Irán, en 1979 emigró junto con su familia a Londres. Empezó sus estudios de arquitectura en la Universidad de Dundee y en The Bartlett School of Architecture, para posteriormente especializarse en la Graduate School of Design de la Universidad de Harvard.

Es Directora de Farshid Moussavi Architecture, establecida en Londres, especializada en proyectos que integran la arquitectura, el urbanismo y el diseño del paisaje. Su trabajo actual incluye el museo recientemente inaugurado de Arte Contemporáneo de Cleveland, Ohio. 

Fue cofundadora de la reconocida firma Foreign Office Architects (FOA) establecida después de haber ganado el concurso para construir la Terminal Internacional de Yokohama en Japón en 1995. 

Entre los años 2002 y 2005 ocupó el cargo de directora de la Academia de Bellas Artes de Viena, y desde 2005 compagina su actividad profesional con la docencia en la Graduate School of Design de la Universidad de Harvard. Además, ha asistido, en calidad de profesora visitante, a universidades como Columbia o Princeton en EE.UU. o el Hoger Institut de Gante y el Berlage de Rotterdam en Bélgica y los Países Bajos. Actualmente es columnista de la revista Architectural Review.

Harvard GSD

Marianne McKenna

Marianne McKenna nació en Montréal, Québec. Estudió en Swarthmore College e hizo un Magister en Arquitectura en Yale. 

McKenna es socia del estudio KPMB desde dónde ha dirigido una amplia gama de proyectos culturales, educacionales y para negocios como la renovación del Orchestra Hall, la Escuela de Negocios para la Universidad de la Concordia y Conservatorio Real TELUS Centro para el Desempeño y Aprendizaje en Toronto. 

El año pasado fue nombrada Oficial de la Orden de Canadá por el Gobernador David Johnston.

Ann Marsden (CNW Group / KPMB Architects)

Kathryn Gustafson

Es arquitecta paisajista de Seattle y se caracteriza por crear paisajes escultóricos. Como una de las fundadoras de Gustafson Guthrie Nichol (Seattle) y Gustafson Porter (Londres), trabaja sobre todo en los ámbitos cívico, con un enfoque en los espacios culturales, parques y jardines.

Sus proyectos más destacados son: El Lurie Garden de Millennium Park de Chicago, Robert and Arlene Kogod Courtyard en el Museo Smithsonian en Washington, DC, Cultuurpark Westergasfabriek en Amsterdam, East Bay / Gardens by the Bay en Singapur, La Fuente Memorial a la Princesa Diana de Gales en Londres y Parque Central Valencia en España . 

Kathryn es una de las pocas arquitectas paisajistas que han recibido el Premio Arnold W. Brunner Memorial de Arquitectura. También ha sido galardonada con el Premio de Diseño de Chrysler y el Premio Jane Drew Londres. 

En 2011 , Kathryn y Gustafson Guthrie Nichol Parteners recibieron el Premio Cooper-Hewitt National del Smithsonian al Diseño de Arquitectura del Paisaje.

En 2015 obtuvo el 8th Obayashi Prize de Tokio, fue nombrada como Doctora Honoris Causa por la Universitat Politécnica de Valencia, España y la ASLA anunció su ascenso a miembro del Consejo de dicha asociación, uno de los más altos honores para los arquitectos y arquitectas paisajistas que reconoce las contribuciones a la profesión y a la sociedad en general.

Gustafson Porter

El libro es un producto diseñado para llevar en la mano, y una de sus mejores características (frente al texto digital) es justamente su capacidad para que disfrutemos tocándolo, es bueno que conozcamos las diferentes opciones que tenemos para realizar en sus tapas distintos volúmenes y texturas. Quizá en estos pequeños detalles resida la gran diferencia entre edición normal y diseño en la encuadernación artística.

Vamos a ver algunas opciones decorativas que tenemos a nuestro alcance:

–Cartulinas: Una de las formas más comunes de añadir volumen es mediante el pegado de trozos de cartulina. Se puede pegar la cartulina tal cual la cortamos, o la podemos tratar, ya sea biselando el borde o lijándolo, con lo que conseguiremos que los bordes tengan un acabado menos abrupto. Los volúmenes conseguidos con las cartulinas pueden realzarse colocando algún material diferente sobre ellas, ya sea una piel muy rebajada o láminas de metal.

–Cuerdas: Una técnica muy antigua para conseguir volúmenes debajo del material es introducir cuerdas. Por ejemplo, el Evangelio de San Cuthbert (del siglo VII) tiene una decoración de la portada hecha con cuerdas cosidas a la madera, masilla en el dibujo central y todo recubierto con piel. 

–Pastas: el Gesso, que se suele utilizar para sellar superficies antes de pintarlas, se puede extender sobre el cartón (con espátula, pincel, brocha….) o trabajarlo con más detalle (añadiendo texturas mediante presión de objetos, o aplicándolo con una máscara de estencil). Con las pastas se pueden dar volúmenes muy elevados e, incluso, llegar a modelar figuras complicadas.

–Texturas varias: Con el golpe en seco podemos calcar cualquier textura sobre una piel o un papel humedecido. Para ello usaremos planchas de textura que se usan en los trabajos de pasta polimérica o sobre papel. Podemos poner la textura por dentro o por fuera del material (dependiendo si queremos que la huella quede elevada o hundida), y lo metemos en la prensa con un trozo de plastazote (u otro material acolchado). Podemos remarcar estas huellas con tinta, ya sea oscureciendo los hundidos o las zonas que sobresalen.

–Gofrado: es el grabado de un dibujo sobre el material pero solo por calor. Se puede realizar una huella (hundido) o que el calor cambie el tono del material. Lo más común es que se gofre la piel, ya sea para realizar el dibujo por el cambio de color de la piel con el calor, como para realizar la huella que vamos a dorar.

–Pliegues: sobre las telas, que tienen mayor rigidez, hay que realizar el volumen mediante pliegues, con técnicas como el capitoné (basada en el cosido)

–Incrustaciones: se puede pegar cualquier cosa directamente sobre la portada. Para que este elemento no se separe con facilidad se hace un hundido en la zona de la portada donde se vaya a poner el añadido. De esta forma, la incrustación no queda a ras de la portada y tiene más superficie sobre la que pegarse (ya que se pega también a los laterales de la hendidura)

–Encapsulado: Un encapsulado es un hueco realizado sobre una portada sin llegar a traspasarla, donde se introducen objetos (sujetos o no), a veces cubiertos por una tapa transparente y otras veces sin ella. Los encapsulados suelen hacerse en portadas firmes y de gran grosor, que son las que permiten realizar estos espacios con gran profundidad.

–Embossing con polvos: Se puede realizar sobre cualquier material, aunque en aquellos que sean porosos hay que tratarlos antes, y cuando demos calor sobre la piel deberemos tener cuidado. La forma de realizarlo es colocar un pegamento especial sobre el que echaremos los polvos de embossing que quedarán pegados. Para que cojan el volumen se les dará con una pistola de calor.

–Cosidos: Al igual que se pueden poner cuerdas bajo el material para crear volúmenes, todo cosido que hagamos sobre el material también los crearán. El cosido puede atravesar toda la portada o ir sólo sobre el material de recubrimiento.

Las tendencias arquitectónicas para el 2020 apuestan por el desarrollo sostenible y la arquitectura sustentable. La sociedad evoluciona hacia el compromiso medioambiental y las tendencias en arquitectura, como manifestación social, no iban a ser menos.

Cada vez vemos más el uso de materiales reciclables, edificios que se autoabastecen e instalaciones de todo tipo que pretenden ser respetuosas con el planeta.

Nosotros te presentamos las tres que más nos han gustado:

Minimalismo

La arquitectura minimalista tiene como lema reducir la expresión material a lo esencial. Se destaca por el uso de formas geométricas. Lo que define este estilo arquitectónico en un concepto es la palabra “limpieza”.

La tendencia al minimalismo en arquitectura se traduce en una apuesta por las formas simples empleando materiales modernos y vanguardistas. 

Para el minimalismo, todos los elementos deben combinar y formar una unidad: todo es parte de todo.

Es tendencia utilizar materiales de calidad para garantizar un aislamiento térmico y acústico que repercutirá en un ahorro económico y un beneficio medioambiental.

Estilo industrial

Viene definido por formas asimétricas en la construcción, tanto en edificios de viviendas como en otras infraestructuras urbanas. Se caracteriza por la combinación de hierro, madera, aluminio e, incluso, plástico reciclado, lo que supone un abaratamiento en la construcción. Líneas sencillas y ausencia de elementos superficiales también son característicos del estilo industrial.

La luz es otro de los requisitos fundamentales del estilo industrial; enormes ventanas, sin cortinas que permiten que la luz natural invada todo el espacio. De ahí la necesidad de prescindir de paredes y optar por un espacio abierto con un mobiliario minimalista.

La funcionalidad es requisito básico en una vivienda industrial. El mobiliario debe ser resistente y duradero.

Domótica

El apoyo de la domótica es esencial para la bioclimatización, no es simplemente tecnología, ya que desde el punto de vista de la rentabilidad y sostenibilidad y debido a sus múltiples formas de implementación es sumamente importante tenerla en cuenta a la hora de construir un hogar bioclimático.

Es importante saber que con la utilización de la domótica en su justa medida se empieza a hacer un correcto aprovechamiento de los recursos naturales, y se reduce el consumo de las energías que provienen de recursos no renovables. Lo importante es que el artefacto primordial sea la arquitectura, no que la arquitectura dependa de muchos artefactos. 

Definitivamente el uso de la domótica trae consigo beneficios medioambientales, educativos, económicos y sociales siempre que se seleccione lo realmente imprescindible.

Es una tendencia al alza, tanto para construcciones nuevas como para edificios rehabilitados. Un edificio inteligente ofrece mayor comodidad y reduce las facturas de los consumos. 

La retícula es un elemento de composición que tiene toda publicación, es una regla invisible para el espectador, pero visible para quien diseña. Es una base sobre la que se puede trabajar y donde aplicar los elementos que componen la publicación: columnas, páginas, etc.

Las retículas ayudan a dar equilibrio y una estructura a tu página: hacen que alinear los distintos elementos de tu diseño y saber dónde colocarlos sea mucho más fácil y sencillo.

También la conocemos como maqueta: es un instrumento de composición para el diseño de libros, periódicos, revistas… para todo lo que forma parte de los medios gráficos impresos. Es una estructura invisible.

Una retícula bien organizada tiene que tener un modo armónico con el formato y la orientación del papel. Por lo tanto, en la retícula es muy importante la división geométrica de un área, dividida en columnas, espacios, márgenes, etc. Tiene que estar dividida con precisión. Debe definir la posición de todos los elementos que aparecen en la página (dónde va el título, subtítulo, pie de foto, etc.). No es algo rígido y depende del medio para el que se utilice. Esa rigidez se rompe sobre todo en los periódicos.

Son de gran ayuda para mantener organizado y estructurado el diseño. Te ahorran un buen tiempo de indecisión a la hora de realizar el diseño, puesto que se puede ver con facilidad dónde tendría que ir alineado cualquier elemento. En especial, son particularmente útiles a la hora de diseñar documentos con mucho texto en los que se debe ser coherente, como las revistas o los reportajes. Cuando estás diseñando algo, como la estructura de una revista, puede resultarte útil hacer un boceto de la retícula antes de comenzar. Imagina que ya has diseñado una página con una retícula de 6 columnas. Ahora puedes pensar los elementos que quieres incluir en la página y probar con su colocación dentro de la retícula. De esta forma, colocar los elementos de forma equilibrada pasará a ser una tarea mucho más sencilla.

Solo porque utilices una retícula para tu diseño no significa que tengas que ceñirte estrictamente a ella. Si crees que un elemento quedaría mejor sin alinearlo con la retícula, ponlo como tú consideres. El objetivo de la retícula es crear una estructura, pero no dejes que imponga límites a tu estilo de diseño.

¿ Cual es el nuevo destino de las mallas ciclistas ?

A las mallas ciclistas todavía les queda una larga vida, un nuevo diseño de pantalón con un corte que añade unos cinco centímetros de tela de más surge como un nuevo sustituto, se ha podido ver en la Semana de la Moda de Copenhague este conocido ‘street style’.

El look compuesto por esta prenda fue lanzado por Kim Kardashian, a ésta la siguieron las «influencers» de todo el mundo. Esta prenda que ha tenido siempre una finalidad deportiva, con colores neutros, destacando el color negro. En esta primavera se han diseñado versiones estampadas, incluso han tenido la inesperada revisión denim.

Modelos como las que aparecen en las fotografías han aparecido en grandes fiestas con esta prenda al igual que muchas otras actrices y personas de influencia han aparecido en festivales con looks inesperados compuestos por esta prenda estrella, acompañada de una camiseta de manga corta y sandalias.

Algunas de las firmas que han subido las mallas de ciclista a las pasarelas han sido Nina Ricci, Saint Laurent, Dion Lee o Fenty x Puma.

Además estas son sólo algunas de las marcas que han rescatado esta prenda de la década de los 80, pues la actriz Demi Moore ya las llevó a los Oscar de 1989.